Viernes, 20 Octubre 2017 21:00

Arte y Política en la Rusia Revolucionaria

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Como este domingo no puede hacerse anuncios partidistas, elegí compartir con ustedes este artículo sobre la Revolución Rusa, que guarda actualidad por los cien años transcurridos y porque esta revolución se han convertido, con la francesa de 1789, en el modelo a seguir, el arquetipo de la revuelta antisistema.

 

 

Estudio para Composición II (1910) - Wassily Kandinsky

Composición VII (1913) - Wassily Kandinsky

Con la finalización de la Primera Guerra y el advenimiento de la Revolución de 1917, se instaló entre los artistas rusos el mismo debate que afligía a los artistas de Occidente. ¿Cuál era la utilidad y el sentido de su trabajo? En ninguna otra época de la humanidad habían coexistido tantas corrientes estéticas. Aún vivían Monet y Renoir, los Postimpresionistas, los fauvistas, los expresionistas alemanes….

Los dadaístas, adoptaron una actitud nihilista, propia del espíritu anarquista. Otros, de orientación socialista sostenían que el arte debía asistir en la creación de objetos útiles para la producción industrial. La actividad creativa debía volcarse en objetos de la vida cotidiana, un renacimiento del utilitarismo de Jeremy Bentham o el Arts and Crafts propuesto por William Morris.

En la revista Arte de la Comuna, promovida por Lunacharski, el nuevo comisario del Pueblo de Instrucción Pública, se debatieron las diferencias ideológicas entre burgueses y proletarios con respecto al proceso creativo. Para los ideólogos de la Comuna, los burgueses creían que el arte apuntaba a la deformación de la vida, mientras los proletarios entendían que el arte pasaba por la creación de objetos tangibles.

Kandinsky, quien hasta este momento había tenido una activa participación en el intercambio intelectual después de su entusiasta retorno a Rusia, sufrió un duro revés al ser rechazada su propuesta educativa. El objetivo de Kandinsky era sistematizar las diversas experiencias pedagógicas para encontrar una ley general de la pintura y, a su vez, hallar los vínculos que la relacionasen con las demás actividades artísticas, como la danza, la escultura y la poesía, a fin de formular una teoría del arte total.

Su propuesta no le resultó simpática a la conducción soviética; la consideraban individualista y burguesa. Para Lenin y sus seguidores el Nuevo Arte debía surgir de la práctica social y no del gabinete. Después de este rechazo, para Kandinsky resultó clara la dirección ideológica que tomaba la Revolución. En 1921, fue invitado por el grupo Bauhaus de Berlín. Sin dudarlo volvió a Alemania y nunca más retornó a Rusia.

Perseguido por los nazis, se fue a París, donde se nacionalizó francés. Al final de su vida dijo: “Cuando más temible se torna el mundo, más abstracto se vuelve el arte”, un comentario lúcido que capta la esencia del funcionamiento de nuestro cerebro: cuanto más compleja es una situación, más primitiva suele ser la respuesta inicial del individuo.

El marxismo clásico consideraba que en la historia actúan dos fuerzas: el determinismo histórico y la voluntad. Ambas eran complementarias.

Los bolchevices privilegiaban la voluntad en detrimento de las leyes de la naturaleza. De allí la intención de crear un hombre nuevo (concepto que no era una “novedad” en la historia de la humanidad, ya que varias religiones lo habían propuesto y Rousseau profundizó el tema con su Emilio).

Kandinsky Bauhaus (1923)

Ródchenko desplazó a Kandinsky como ideólogo de vanguardia y promovió el concepto del artista como un técnico, al que llamaba artista “ingeniero”. De esta forma pensaba que el artista servía mejor al proletariado. Ródchenko resucitó el concepto griego del tekné —etimología de la palabra “arte”: que no sólo significa “virtud” sino también “habilidad técnica” para llevar a cabo el proceso creativo—. Así propugnó la utilización de los mismos materiales que eran utilizados en la construcción, a fin de lograr una mayor funcionalidad. Para Ródchenko, el artista debía asistir a la fábrica, como un obrero más.

Dentro de este esquema utilitarista, surgió el constructivismo —propuesto por Aleksei Ganen su libro de 1922 (aunque la palabra fue utilizada por Malévich para describir el trabajo de Ródchenko en 1917 con cierta connotación despectiva) — La construcción representa el proceso creativo y la búsqueda de leyes para la organización visual. En esta organización, la textura es la representación de los materiales contemporáneos y la forma de ser aplicados en la producción a nivel industrial.

El constructivismo favoreció el desarrollo del arte gráfico, el diseño de muebles y ropas. Rápidamente el constructivismo se dispersó por el mundo junto a la difusión ideológica del comunismo y terminó a orillas del Plata en la obra de Torres García Gurvich. Ródchenko se convirtió en uno de los mayores exponentes del constructivismo con su obra Negro sobre negro.

En el seno del constructivismo, aparece un movimiento “productivista” que propugnaba un arte “más puro” para renovar el lenguaje estético industrial, lugar donde realmente se movía el proletariado.

Afiche del film “El acorazado Potemkin” (1925) de Aleksandr Ródchenko,Biblioteca Lénine, Moscú, Rusia.

Danza. Composición sin objetivo. (1915), Aleksandr Ródchenko

Entre sus múltiples tareas, Ródchenko tuvo a su cargo la confección de los afiches de varios films, entre ellos el antológico, El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein, producida en el marco de la celebración de los 20 años de la Revolución de 1905.

No todos los artistas rusos adhirieron a la vanguardia abstracta; existía una extensa tradición realista que al final se consagró como la iconografía de la revolución. Petrov Vodkin reasumió el lenguaje figurativo con aire renacentista pero acorde al mensaje socialista.

Portrait of Lenin (1934) - Kuzma Petrov-Vodkin

En esta época marcada por el colectivismo, nada podía hacerse sin un grupo de apoyo ideológico, y los realistas se alinearon tras la Asociación de la Rusia Revolucionaria, desde donde criticaron a los vanguardistas  por su abstracción que los alejaba de las masas, convirtiendo su mensaje en un concepto críptico y poco esclarecedor.

Por estas razones, el afiche se convirtió en la forma preferida de comunicación del gobierno soviético, con mensajes gráficos directos y evocaciones simbólicas sin eufemismos. Artistas como Viktor Ivanov, Alexei Kokorekin y Viktor Deni se destacaron en este formato, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial cuando promovían el espíritu patriótico para recuperar la libertad de la “Madre Tierra”.

Gloria al pueblo ruso, una nación de heroísmo épico… una nación de inventiva creativa! (1946) - Viktor Ivanov

El lobo alemán es derrotado - Alexei Kokorekin

El camarada Lenin limpia al mundo de inmundicia - Viktor Deni.

La lucha entre abstracción y figuración terminó con la victoria de esta última. En 1934 Gorki y Zhdanov propugnaron el realism como la línea oficial del partido, obligatoria en literatura, música, fotografía, pintura y escultura. Hasta el constructivismo, nacido en el seno de la creatividad soviética, fue víctima de la nueva perspectiva ideológica.

La maqueta de Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional, (1919-1920) que debía construirse en hierro, vidrio y acero, fue rechazada. En opinión del Soviet, el constructivismo no servía para promover las bondades del comunismo. Su mensaje era confuso para la educación de las masas. De allí en más, Tatlin se dedicó al diseño de ropa para obreros, dejando de lado su actividad plástica, que parecía teñida de un peligroso individualismo burgués.

Tatlin y su asistente con la maqueta para el Monumento a la Tercera Internacional, (1919-1920)

Vida al Tsar - Vladimir Tatlin.

Para los stalinistas, el control de la producción artística era sinónimo de total control político. Si podían dominar una fibra tan íntima e individual como la creación artística, entonces estaban seguros que podían dominar a toda la sociedad.

En 1935, después de haber sido echado del Museo de Cultura Artística, Malévick realizó su última exposición en Leningrado. Había vuelto a la figuración, como se ve en su autorretrato. Curiosamente, esta obra terminó en el MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York, es decir el corazón del mundo capitalista.

Autorretrato de Kazimir Malévich (1933) – Museo estatal ruso

Músicos como Prokófiev y Shostakóvich también fueron censurados bajo el régimen de Stalin. Shostakóvich, después de haber sido prohibida la presentación de su ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), compuso su Quinta Sinfonía, que subtituló Respuesta de un compositor soviético a una crítica justa (1937), a fin de sortear la censura del régimen. A pesar de la enorme popularidad que le ganó quedarse en la sitiada Stalingrado durante los días más duros de la invasión nazi, Shostakóvich tuvo problemas para que su música se difundiese y sufrió pesadas críticas en los medios oficialistas por no adecuarse a los nuevos canones estéticos del stalinismo.

La política oficial soviética también terminó con la crítica para dilucidar el sentido de la obra. Si el mensaje era claro para los jerarcas, no se necesitaba al crítico para interpretar o emitir opiniones sobre la obra y su sentido. En todo caso, las autoridades decidirían sobre la ortodoxia del contenido o en todo caso limitarían su difusión por los medios de comunicación que pertenecían al Estado. Todo debía ser uniforme, preciso y los objetivos claros: debían exaltar al trabajador común y a su labor con sus herramientas como algo admirable. Las fórmulas prefabricadas por las autoridades debían ser acatadas por los artistas, so pena de verse obligados a repensar su posición en la tundra siberiana.

Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich and Aram Khachaturian.  

Omar López Mato 
Médico y escritor  
Su último libro es FIERITA - Una historia de la marginalidad  
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